清水焼の本場、東山五条で作陶される森里さんが作られる焼き物は、呉須のグラデーションが美しい発色を放っている。この陶磁器の絵の具である呉須の発色の中心になる鉱物はコバルト金属で、還元焼成で焼き上げると、いわゆるコバルトブルーに発色する。呉須は、酸化コバルトとカオリン（粘土の一種で、化学成分的にはアルミナAl2O3とシリカSiO2の化合物）を混合して、1200度程度の高温で焼くと元は黒色であったものがブルーに発色する「焼き抜き呉須（または海碧とも呼ばれる）」というものになる。
この焼き抜き呉須に鉄分やマンガンなどを加え、通常、焼き物の下絵の具として使われる呉須になるのである。焼き抜き呉須の状態のものは絵の具として使うと非常に鮮やかなブルーに発色するが、融点が高く下絵の具としてそのまま使うのは、やや不向きなため鉄分やマンガンを加えて融点を下げる。鉄分やマンガンの量が多いと、それだけ融点は下がるが、発色は黒っぽくなる。
これらの成分が自然に含まれていて、天然で産出するもので代表的なものが、中国で過去に採掘されていた「唐呉須」といわれるもので、そのままで陶磁器の絵の具として活用でき、格調高いブルーに発色するが、唐呉須などの天然に産出する呉須は枯渇してしまっているため、現在は各種の鉱物を調合して人工的に呉須が作られる。森里さんが使われる呉須も森里さんにより、独自に調合されたもので、どちらかというと青味が強い発色をする、唐呉須に近い色味であるように感じる。

　森里さんは高校を卒業された後、京都府立陶工職業訓練校の成形科と専攻科に、二年にわたって学ばれ、ロクロを中心とする成形技術を習得された。陶工訓練校を修了後は、日展作家として活躍された、故、加藤巖氏に8年間師事され、染付磁器を習得される。日展会員であった加藤巖氏の作風は、今では手に入らない唐呉須を用いた染付の磁器をテーマとしていたもので、呉須のグラデーションが美しいものであった。
「加藤巖先生に師事したことで、私の作品も染付磁器のものになったといえると思います。先生に作風を伝授していただいたことが私のスタートだったのですが、今でも、その作風は一貫して変わらないのです。」
森里さんの呉須による作品は、いわゆる「ダミ」と呼ばれる地塗りの技術を活用して素地に色を載せていく作業をされるのだが、先に「毛掘り」と呼ばれる、細い針金を用いて毛のように細い線で絵の輪郭を描き、その中を呉須で地塗りする、輪郭の中を“ダミ”る技法なのだ。その地塗りであるダミも、森里さんはダミ筆に呉須を含ませた後、筆の先に呉須の溶剤であるお茶を吸わせてから塗る、ぼかしの技法を応用されている。

　この、ぼかしの技法によって描写されるグラデーションが実に美しい。作品の中には、呉須によって描写された絵付けと釉薬を組み合わせたものもあるのだが、どの作品も呉須による染付は一貫した森里さんの作品のテーマとなっている。
「最近、呉須も塗るそのやり方によって色が変わってくるということが、少しずつわかってきたように思います。塗り方によってある程度の調整ができるようになってきましたから、基本的に呉須を選ぶということがなくなってきました。呉須の調合の違いに私自身が左右されなくなってきているように感じます。呉須の調合の違いではなく塗り方の雰囲気によって色が変わるのだということがわかってきました。」
師匠である加藤巖氏が使われていた中国の天然呉須そのものを、もちろん、森里さんは受け継がれたのではない。森里さんが使われる呉須は、森里さんが独学で学ばれ、独自で調合されたものを使用されているのだが、最初の頃は、やはり、加藤巖氏の呉須の発色に近づけようと調合研究をされたそうだ。

　 「独立してやり始めた頃は、“この呉須有りき”と考えていましたが、一つの呉須にこだわることはなくなってきました。むしろ、塗り方によって濃淡どころか、色自体を表現できると思うようになっています。」
南画などの墨絵でも、墨の色は黒一色でも、その濃淡によって微妙な色を達人は表現すると言われるが、呉須でもそのような表現が可能なのかもしれない。
呉須のグラデーションで描写された染付と釉薬を組み合わせた作品も、そのオリジナリティーがすばらしく、あえて、釉薬が染付を際立たせるように映って見える。
「呉須もそうなのですが、釉薬も当然のことながら、窯の焼成雰囲気で焼き上がりが違って出てきます。釉薬によって、焼く時の雰囲気も調整していますし、この色の釉薬は窯の中のこの場所というように、窯詰めする位置も考えて焼いています。」
一つ一つの作品を、釉薬や呉須の違いによって窯詰めの位置や焼成雰囲気を調整して、作品を焼き上げる。これは、陶磁器を焼き上げる場合の、必然の作業なのだが、やはり、その時々の窯によって、出てくる作品に善し悪しはどうしても出てくる。

 　「これは良いものに焼き上がったなという作品は、やはり、すぐに売れたりもしますね。そうでないものは、長く手持ちの状態でおいてあったりします。この仕事を始めた頃は、工房でただ、黙々と焼き物を作っていれば良い時代でしたが、今は、黙って作品を作っているだけでは、食べていけないような世の中に変わってしまいました。自分自身で動いて、ギャラリーや陶磁器販売店とコンタクトを取り、自身の作品を売り込んでいくことが迫られます。でも、そういう時代だからこそ、私は背中を押されたような気がします。元々、人と話すことは好きでしたし、積極的に工房を飛び出して、作品を持って回りましたね。」
森里さんは、生まれ持っての社交的な性格が、ご自身の身を助けたと言われるのだ。
「釉薬や呉須は、焼く窯の時々によって出てくる作品の色が、どうしても違って出てきたりしますが、それだからこそ、むしろ喜んでいただいているのかもしれません。その時々で雰囲気が違う作品であっても、それが前と違うからダメというのではなく、今回はこんな風に焼けたというように、逆に違う作品を見られることを楽しんでいただいていると感じるのです。」

　森里さんは、お話も上手だが、そのお人柄も前向きで明るい。一見、悪い結果に見えるようなことでも、ただ単純に悪いと捉えるのではなく、それもまた良しと逆に解釈して前進されているのだと思う。
「私には、息子と娘がいますが、子供がこの仕事をやりたいと思うなら、応援したいと考えています。私自身この仕事をやってきて、好きでやりたくてやるなら、これ以上良い仕事はないと思っているからです。子供も焼き物をやりたいと思ってくれるなら、正直な気持ち、親としては嬉しいと思いますね。」
厳密な意味での跡継ぎという形ではないにしろ、ご自身のお子さんが同じ、焼き物の仕事を希望されたなら、協力したいと考えておられるそうだ。
「子供が、焼き物の仕事を希望してやり始めたとしたら、私自身はその時点で引退しようと考えています。親子で両方とも作ってというのではなく、私は作る仕事は辞めて、子供の作品を売り込んで回るようなプロデューサーになろうと思います。」
森里さんは、将来的な夢として、このような希望も持っておられるようだ。焼き物の仕事が本当に好きで、焼き物そのものも、心から愛しておられるのだと感じた。

森里 龍生

龍紘窯　森里龍生

〒605-0873　京都市東山区渋谷通東大路東入二丁目下馬町603-2
電話　075-531-8232

　マエストロとは、ただ物を作るだけの職人という意味ではなく、自分でデザインをし、プレゼンもして、販売までをもする作り手の総称のような意味があって、自分たちもそのようでありたいという気持ちを込めて「マエストロ貴古」と銘打ちました。と、ご主人の今橋剛和さんと奥様の裕子さんは語られる。
　ご主人の剛和さんは、代々続く「貴古窯」の四代目で、奥様の裕子さんとは京都市立芸術大学在学中に知り合われて、結婚された。ご主人が作られる作品は「貴古窯」として世に出されていて、奥様との共同製作の作品を「マエストロ貴古」という銘で世に出されている。
ご主人の剛和さんは、京都市立芸術大学の陶芸専攻科で学ばれ、卒業後家業に就かれた。もちろん、大学では陶芸に関することは全般的に学ばれたが、家業に入られてからは、先代のお父さんから、陶芸に関して手取り足取り指導を受けられたのではないそうだ。

　「自分が作る焼き物は自分のものであって、あなたはあなたで、一から自分の物を作り上げなさいと言われて、父からは突き放さたような感じでした。
　私の父は、焼き物に関しては、それはもう、ありとあらゆる事をやり尽くしていたような人でしたから、それ以外のものしかやってはダメと言われたら何をしたらよいのか。当時は、自分自身が何をやるべきなのか自体、見失うような状態でしたね。」 よく、ライオンは我が子を千尋の谷に突き落として、這い上がってきた子だけを育てるということが言われるが、裕子さんは、お父さんから常にそのように言われるご主人のことをそばで見ていて、「そこまで深い谷に落とさなくても良いのに。」と感じておられたと言われる。
　 お父さんから「私がやってきた事以外の陶磁器で、自分の焼き物の世界を築き上げなさい。」と言われた剛和さんは、大学を卒業されて１年の後、お父さんが作ってこられた食器を避け、茶陶の製作から始められる道を選ばれた。  

 　「やはり、一からということで始めましたから、大変苦労しました。染付の茶器の製作を依頼されても、呉須色だけをとってみても何百種類という色合いがあるんです。
　例えば、古伊万里の呉須色が良いからその色で作って欲しいと言われても、その色がわかりませんから、当時知り合いの先生が京都国立博物館におられましたので、頼んで所蔵品を見せてもらいました。でも、その本物の色を見たところで、現在売られている染付の呉須の色との判別が付かないんです。」 確かに、呉須色は単に、十把一絡げに藍色であると言ってしまえば、言えないこともないが、黒味がかった藍色もあれば、青味が強い原色に近いような藍色のものもある。また、太陽光の下で見たときと蛍光灯の下で見たときでは違う色に感じたりすることもある。それに加え、同じ呉須でも窯の焼き方によって、出てくる色が変化する。
　本来なら、一番身近な師匠であったであろう父親から、なんの手ほどきも受けなかった剛和さんにとっては、正に手探りで、目的の呉須色を探り当てなければならなかったことは、想像に難くない。

    「来る日も来る日も、色の研究を繰り返していました。よく当時は人から、こんな山の中で色の研究ばかりしていてなにが楽しいのかとまで言われましたけど、その当時はもう商売抜きで、そればかりやっていましたね。」と、奥様の裕子さんも言われる。 茶陶の製作に使用する絵の具や釉薬の研究に邁進し、経済的にはお父さんが経営されていた窯元に頼っていたのが現実だったそうだが、やがて、お父さんの年齢的なこともあり、家業の食器製造を剛和さんは手伝われることになった。
　 「必要に迫られて、家業の窯元の食器を作るようになりましたが、やはり、そうなっても父親から、この食器に使っているこの色の釉薬はこれだというような、一子相伝のようなものは一切なかったですね。最後まで、自分の釉薬は自分の物という姿勢を父は貫きました。四代貴古を継ぐのであれば、四代の釉薬色でなければならないというのが、父親の哲学でした。でも、そういう父親の厳しい姿勢で、いわば、這い上がるのが難しいような谷に落とされたことで、今になっては色々なことが身になっていますので、良かったとは思っています。」  

    貴古窯の食器の製作を苦労しながらも続けられた剛和さんだったが、世の中は２０年以上続く不景気の時代となる。
　ご主人の剛和さんは、京都市立芸術大学の陶芸専攻科で学ばれたが、奥様の裕子さんは、同大学の油絵科で学ばれたそうだ。 「私が、京都市立芸術大学の油絵科を選んだのは理由があって、京都芸大の油絵科は他の専攻科とは違って、色々な素材を扱ってものを作るということをやっていたからなんです。油絵科では陶器も作品を作る上での一素材として見ていました。ですので、陶芸をやっている主人に嫁ぐことで、この世界に入ることに対しても、不自然さは感じませんでした。」 裕子さんは、絵の教室で先生もしておられて、子供達に絵を教えておられる。その教室で子供達に教えておられている上で、一つの思いがあるのだそうだ。
　「芸術を専攻した以上、作品を作ることに情熱を注ぐ素晴らしさを生徒にも感じて欲しいのです。お金にならないからやめてしまうというのではなく、子供達に対して恥ずかしくない生き方をしたい。私も作家として頑張っているし、自分たちの目標にしたいと思ってもらえるような生き方をしたいのです。」

      そんな、裕子さんの思いからやがて、一つの作品が生まれ、マエストロ貴古が誕生する。 貴古窯の工房にはいくらでもある土を捻って、ある時裕子さんは素朴な形の兎を作った。その兎を見たご主人は、面白いと裕子さんに告げるのである。 ふと、工房にあったカップを逆さまにして、その上に裕子さんが作った兎を乗せてみたところ、スカートをはいた兎に見えたという。そうして作られたのがマエストロ貴古の作品になっていった。綺麗なドレスをまとった兎だけではない。仲良く３匹の兎がカップの中を覗いているような可愛らしい器も生まれた。物思いにふけっているような馬が、ちょこんと上に座っている香炉も生まれた。器の渕に腰をかけ祈りを捧げているような兎もいる。 ドレスをまとった兎に使ったラスタ彩の絵の具は、後に綺麗なペンダントの作品に使うことで新たな挑戦にもなった。

    「ドレスをまとった兎は、オペラの蝶々夫人をイメージして作ったもので、これがマエストロ貴古としての第１作目でした。マエストロ貴古の作品は、私と主人とのキャッチボールのような作業で作られていく作品で、最初は人形としての作品だけだったのですが、食器作りを長年やってきた主人の思いから、香炉やカップなどの器も作るようになったんです。」
　剛和さんと裕子さんの共同製作作品であるマエストロ貴古の作品は、３年ほど前から作られるようになった、まだ新しいものだそうだが、京焼・清水焼展に初の出品で入賞をしたほど評価は高い。 「私たち夫婦は、二人とも芸大を出ているのに作品を作る上で未だ、何も自分たちの可能性に挑戦していないことに、ある時に気づいたんです。ダメでも、とりあえずやってみよう。自分たちの作品はこれだというようなものが作れれば良いという気持ちで、頑張っています。

    お二人は、フェイスブックやブログなどを活用し、インターネット上での作品発表や貴古窯の作品を愛好してくださる方との友好にも熱心だ。マエストロ貴古の作品にも、先代や先々代の貴古窯伝統の作風を意識的に盛り込んでおられるそうで、フェイスブックやブログを見ている方にも貴古窯の作品の良さを伝えたいと考えておられる。
　「私たちの子供が将来、私たちが残した作品を見て、あの時お父さんとお母さんは頑張っていたなと思ってもらえるような作品が作れれば良いなと思っています。」 この思いは、作品に込められるであろうし、人々にも伝わると思う。作品には必ず、それを作った人の為人が現れる。なにより、人は、そういう個性を持った作品を求めているのだと思う。心を込めて作られた作品、そして、その上で伝統的な技が駆使された良いものは、必ず、一人歩きをするものだ。それを求めている人の手元に辿り着くまで。マエストロ貴古の作品も、きっと一人歩きをするだろう。    

    マエストロ貴古・四代貴古

    今橋剛和

    今橋裕子

貴古窯陶房 〒601-1395 京都府宇治市炭山久田2-12 TEL/FAX 0774-32-5903
貴古窯ちゃわん坂店 〒605-0862 京都市東山区清水一丁目287-30
貴古窯のホームページ http://www.maestro-kiko.com/

　京都市東山区の泉涌寺地区で工房を構えられる森さんは、その地で3代続く窯元のお生まれだが、若き日々は日展に作品を出展し、入選を重ねられた陶芸作家として活躍された。

高校を卒業してから陶工訓練校、京都市工業試験場の陶磁器研修コースで学ばれ、この世界に入られたのだが、一旦は家業を継ぐべく短期間、窯元の仕事をされたものの、思うところがあって、日展作家の宮下善寿氏の下に弟子入りをする。

「地味な窯元とは違い、作家の方は優雅というか、高級車に乗って美味しいものを食べてというように、若い頃は、そういう風に見えたんですよ。自分もそうなりたいと考えたんですね。今思うに、決して窯元が悪い、作家の方が良いというような、もちろん上下はないですし、窯元はつまらない、作家の方が楽しかったとも思いません。若気の至りというやつですかね。」 と、森さんは言われるが「家にいる　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　と、どうしても甘やかされますから。」

とも言われる。若いが故に、単に楽な方の道を選んだということではない。窯元の3代目で後継ぎという甘い環境から、弟子入りという外の厳しい環境へ自らを追いやり、自分自身を律されたということも言えると思う。
28歳の時に、結婚を機に独立。作家としての活動を本格的に始められる。森さんは、日展に出展された当初から入選を重ねられ一気に注目を集められた。
森さんが、日展作家時代に主に制作されていた作品は、手捻り技法によって作られる花器の作品だ。どの作品も形が非常にユニークで暖か味を感じるようなフォルムを持ち、眺めていると心が和む。表面は光沢のある釉薬をかけて仕上げるのではなく、焼き締めに近いようなマットな質感があり、尖った感じがしない。日本的で古風な空間というよりも、現代的でシックな空間に置かれると、マッチするような作風に感じる。

　数々の作品で入選を重ねられ、意欲的に作家活動をされていた森さんだったが、32歳の時に父親が病気になったことで、窯元としての仕事もされるようになる。しばらくは、窯元としての仕事をこなす半面、日展作家としての仕事も続けられた。
窯元の仕事をされるようになると、作家的な仕事である一品製作ではなく、同じ物をいくつも作る数物製作の仕事にも興味が湧くようになる。
「バブル景気に入った頃で、上り調子の良いときでしたから、見本を出せば必ずと言って良いほどよく売れました。やっぱり、売れれば商売としての窯元の仕事も面白く思いましたね。それと同時に、伝統的な食器製作の難しさもわかってきて、その奥の深さに面白味を感じました。」
二足のわらじではないにしても、森さんは窯元としての仕事と作家としての仕事の両立を続けられる。

　 45歳になったとき森さんはふとしたことで、作家としての活動に疑問を持たれるようになったことから、窯元の仕事一本に絞られることになる。窯元の仕事一本に絞られてからも、それまでに作家として作品を作られていた頃の技術や焼き物に対する考え方が役に立っているのか、森さんに尋ねてみた。
「それは、やっぱり役に立っているでしょうね。伝統的な食器を作る場合でも独創性は大事ですし、伝統工芸品であっても従来の古いデザインの物をただ、真似て作るようではだめですからね。食器を作る上でも創作性が必要になってきます。日展はまず、創作を大事にする世界ですから。」
日展作家時代に培った創作性を森さんは、窯元として作る食器にも盛り込んでおられるのだが、窯元を継がれた最初の頃は、そうではなかった。

　 「私が家業の窯元を継いだ時は、問屋さんの下請けのような仕事をしていたんです。器の形だけを作って焼き上げ、その状態で問屋さんに納める。その器に施す絵付けはその後、問屋さんが上絵をする職人さんに預けて、絵付けをされるのです。日展で創作の仕事をしてきた私にとっては、その下請けのような仕事に甘んじることができなかったんです。」
注文通りの形に仕上げた器を、なんの絵付けを施すこともなく、無地のまま卸業者に納める。その器には、なんら独創性のかけらもなく、森さんの個性は、ただ一つも盛り込まれない。そんな仕事に安住することに森さんは我慢ができなかったのだ。
「自分でデザインした絵を付けていかないと、窯元オリジナルのものは作れない。これではだめだという危機感のようなものがありましたね。」
窯元としてのオリジナルの器を作っていくのだという決意の元、　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　次々に新作食器を森さんは作り出していく。そこには、日展作家　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　時代の創作が活かされ、森さんの独創性が盛り込まれていった。

　こうして、食器においても数々のヒット作を森さんは世に出されていったのだが、いかんせん、時代は食器が売れない世の中となる。
「最近は、食器が売れなくなってきましたね。これからの私の課題は、清水焼の技術を食器以外の物にどうやって活かすかということだと思っています。」
そう言って森さんは、見慣れない形をした陶片のようなものを見せた。
「中国に“かっさ”というものがあって美顔に使う物なのですが、それを陶器で作ったものです。元々は、動物の骨を加工して作ったものだそうです。」

　なんでも、美顔ローラーのようにそれを顔に押し当てて、なでることにより皮下の血行を促すことで、美顔に効果があるらしい。森さんの食器以外の物を陶器で作った作品は、それだけではなかった。ふと、後ろの棚を見ると、金属の棒の先に陶器がくっついた物が置かれてあった。一見、何かはわからなかったので、森さんに尋ねると
「ゴルフクラブのパターです。自分の趣味を活かしてパターも陶器で作ってみたのですが、パターの場合、重さとか角度とか微妙な調整があって難しいですね。」
陶器でゴルフのパターを作ろうというのは、かなりユニークな発想で、思いつく人はまず、そうは多くないと思う。しかも完成品にまでしてしまうというのは、すごいとしか言い様がない。全くもって、驚嘆してしまった。
森さんの清水焼を応用した新商品は、それら以外にもある。時計や楽器のオカリナなども陳列棚には置かれてあった。
「オカリナも音の調律が難しいのです。土で作りますから、作っているときと乾いてからの音が違ったり、焼いた後でも音が違ったりしてくる。穴の大きさの違いや微妙な位置のずれで音程が変わります。パターにしてもオカリナにしても時計でも、なかなか、商品として流通に乗るところまで持って行くのが難しいですね。」

　また、森さんが自家の窯元の作品を販売される店舗「わくわく」に置かれてあった起き上がり小法師も清水焼を応用して作られた新商品だ。この起き上がり小坊師は、伝統工芸品的な要素が他の物に比べて強い感があるからだろうか。
「私としては今、これを食器以外の一押しの商品として考えています。陶磁器で製作したアクセサリーなんかも、ドイツのマイセンが作り始めていますし、世界的にも陶磁器の食器以外の物への応用という動きがあるようです。」
食器に留まらず、清水焼を応用した新商品開発へ、森さんの創作意欲は留まるところを知らないようだ。

森俊山

俊山窯　伝統工芸士　森俊次

京都市東山区泉涌寺東林町20

TEL:075-561-9333

FAX:075-541-6688

今回、取材にお伺いしたのは、京都は嵯峨野で作陶されている守崎正洋さんの工房。守崎さんは、釉薬（うわぐすりとも言われる）により彩色をされた食器を専門に作られている。
嵯峨野で生まれ育った守崎さんは、京都府園部市にある京都伝統工芸専門校(現在　大学校)で陶磁器の勉強をされ、卒業後、二年間大覚寺陶房を主宰される和泉良法氏に師事された。
その後、京都市工業試験場陶磁器コース専修科で釉薬全般について深く学び、修了後、嵯峨野工房を開窯され現在に至っている。
現在、守崎さんは母校の京都伝統工芸大学校では助手として、姉妹校の京都美術工芸大学では助教として生徒に陶芸の指導もされている。

そんな、釉薬に関して高い知識をお持ちの守崎さんが作られる焼き物は、様々な釉薬がかけられ焼かれた美しいものだ。
辰砂釉や天目釉、乳白釉、あるいは青磁釉など、どれを見ても、綺麗に発色している。
もちろん、全ての釉薬は守崎さん自らが調合されたオリジナルのものだ。京都市工業試験場の陶磁器コース専修科で学ばれた知識と、実験で焼かれた数多くの試験体（テストピース）に基づく知識が活かされている

「釉薬の発色は、窯によってぜんぜん違ってきます。電気窯で焼く場合とガス窯で焼く場合で違うのは当たり前で、同じ電気窯でも異なる窯で焼くと、発色が違って出てくる。
窯の焼き方でも変わってきます。」と、守崎さんは話される。釉薬は調合も大事だが、狙った発色で焼き上げるには窯の焼き方も非常に重要になってくる。
守崎さんは、還元焼成といわれる焼き方をされるのだが、この還元焼成とは窯の温度がある程度以上になった時点から、炉内をガスの炎で満たし、酸素濃度が低い炉内雰囲気にすることで釉薬の発色を促す。
釉薬によっては、窯の温度を下げるときにも、この還元状態を保つ、いわゆる「冷却還元」という焼成技法も用いられるそうだ。

作品を拝見すると、天目碗にかけられた釉薬の表面に茶色い結晶がいくつも析出した禾目（のぎめ）天目と呼べるようなものや銀青色の結晶が析出している油滴天目と呼べるもの、鮮やかな赤い色を呈する辰砂の器、透き通るような青緑色を発する器など、どれも実に美しい。
また、釉薬の乳濁が、まるで雪化粧をした木々で覆われた雪山の景色を創造させるような美しいものもある。この釉薬は黒天目と乳白釉を二重がけすることにより産み出される発色で、ご本人は「流天目」と名付けられている。そして、これら釉薬作品を目の当たりにすると、釉薬そのものの魅力で圧倒される思いだ。

守崎さんに作品を作られるときのコンセプトを訊いてみたところ「私の場合は、食器が中心ですから使いやすいもの、主役の料理が栄えるような器を作っていきたいと考えています。」という答えが返ってきた。
呉須や色絵の具をふんだんに使い、絢爛豪華な絵付けを施された皿などは飾り皿とされ、料理を盛ることを嫌う。豪華な絵が主役の料理の邪魔をするからだ。飾り皿は、工芸作品としてはその存在の意味を持つが、食器本来の機能性から考えると本末転倒のような性質を持つものと言えるのかもしれない。

守崎さんは、食器本来の使命を兼ね備えた、あくまでも料理を引き立たせる控えめな加色、それでいて美しい発色の器を作られているのだ。守崎さんの食器に料理が盛られ、写真掲載されている料理誌がいくつも存在することが、料理を活かす食器として守崎さんの作品が広く認識されている証であると思える。
守崎さんは主に展覧会で作品を販売されており、高島屋京都店、朝日陶庵（京都）では、定期的に個展を行われている。また、日本橋高島屋、池袋西武、新宿伊勢丹などの企画展にも出展されたことがある。作陶活動のみならず、京都伝統工芸大学校と京都美術工芸大学での教鞭も合わせ、これからもますます活躍されることと思う。

守崎正洋